Pour en savoir plus:

Toujours pour vous guider dans votre achat l'analyse de cette oeuvre par IRIS, l'IA  de By Your Art:

Cette aquarelle représente une façade lumineuse d'une maison, probablement située dans une région méditerranéenne. Les volets et balcons sont détaillés avec une palette de couleurs douces et chaudes, évoquant la chaleur et la tranquillité de la région. L'utilisation de l'aquarelle permet une transparence et une fluidité dans le rendu des matériaux, notamment le bois des volets et le fer forgé des balcons. L'ombre portée par les balcons et l'ombrelle ajoute une profondeur intéressante à la composition. La texture du mur est subtilement suggérée par des nuances délicates, renforçant l'authenticité de l'architecture. L'œuvre capture un moment de calme, peut-être en début de matinée ou en fin d'après-midi, lorsque la lumière est douce et dorée. 

La façade avec ses volets et balcons évoque une atmosphère méditerranéenne. Les couleurs chaleureuses rappellent le sud de la France, symbolisant la tranquillité et le charme rustique de ces régions. 

L'aquarelle s'inscrit dans le style figuratif avec une influence impressionniste. L'utilisation de la lumière et des couleurs douces rappelle des mouvements artistiques du sud de la France 

L'œuvre est réalisée en aquarelle, utilisant des techniques de superposition et de dégradé pour créer des effets de lumière et de texture. 

La palette de couleurs dominée par des tons chauds et lumineux évoque une ambiance estivale. Les contrastes doux entre les teintes ajoutent à l'effet apaisant de l'œuvre. 

La composition est centrée sur la façade avec un équilibre entre les éléments architecturaux. Les volets et balcons sont disposés symétriquement, créant une harmonie visuelle. 

Les lignes sont précises et définissent clairement les formes architecturales. Les contours sont délicatement tracés, accentuant la douceur de l'aquarelle 

La texture est rendue par des coups de pinceau délicats. Les détails des volets et balcons ajoutent de la profondeur et du réalisme à l'œuvre. 

L'œuvre semble douce au toucher avec une sensation de fluidité et de légèreté, typique de l'aquarelle. Les surfaces paraissent lisses et apaisantes. 

La lumière douce crée un jeu subtil d'ombres sur la façade, accentuant les reliefs et ajoutant de la profondeur à l'image 

Les éléments architecturaux sont représentés avec précision, capturant l'essence d'une rue méditerranéenne. Les volets et balcons apportent une touche de réalisme et de charme local. 

L'œuvre évoque une nostalgie et un calme méditerranéen. Les spectateurs peuvent ressentir une connexion avec des souvenirs de vacances ou un désir de découvrir ces lieux paisibles. 

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/18603517/une-part-de-soi-une-part-de-sud

Cette aquarelle analysée par l'IA IRIS By Your Art:

Cette aquarelle présente un paysage enveloppé de brume, où les nuances de vert et de bleu se mélangent délicatement pour créer une atmosphère paisible et éthérée. Les poteaux en bois suggèrent une clôture, ajoutant une structure subtile à la composition. Les tons doux et les contours flous invitent le spectateur à imaginer un matin frais, où la nature s'éveille lentement. La technique de l'aquarelle est utilisée avec maîtrise, permettant des transitions subtiles et une diffusion douce des couleurs. Le jeu de lumière diffuse renforce encore plus l'idée d'un environnement calme et rêveur. C'est une œuvre qui capte l'essence de la tranquillité et de la beauté naturelle. 

L'œuvre présente une clôture en bois au milieu d'un paysage naturel, symbolisant peut-être la séparation entre nature et civilisation ou la tranquillité de la campagne 

Le style aquarelle et l'ambiance bucolique rattachent cette œuvre au mouvement impressionniste, avec une touche de réalisme poétique. 

L'aquarelle est utilisée avec des touches légères et fluides, créant une atmosphère éthérée. La technique de superposition légère des couleurs donne de la profondeur au paysage. 

La palette de couleurs se compose de verts doux et de bleus pâles, évoquant la tranquillité et la sérénité du paysage champêtre. 

La composition est équilibrée avec la clôture formant une ligne diagonale, guidant l'œil à travers le paysage et créant un point focal naturel. 

Les lignes de la clôture sont nettes et définies, contrastant avec les formes floues et douces du paysage environnant. 

La texture est délicate et légère, typique de l'aquarelle, avec des détails subtils dans la végétation et la clôture, créant une sensation de douceur. 

La lumière diffuse baigne le paysage, créant une atmosphère douce et rêveuse, avec des ombres subtiles ajoutant de la profondeur. 

La perspective est créée par l'inclinaison de la clôture et la diminution des détails vers l'arrière-plan, offrant une sensation de profondeur et de distance. 

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/18604648/cloture-champetre

Toujours pour vous aider à l'achat, voici l'analyse par l'IA IRIS de By Your Art s'agissant de mon aquarelle Poivrons sur torchon:

Cette aquarelle présente des poivrons disposés sur un fond de rayures bleues et blanches, créant un contraste intéressant entre les couleurs vives des légumes et le fond géométrique. Les nuances de rouge, jaune et vert des poivrons sont accentuées par une technique de peinture détaillée qui souligne les textures et les ombres. L'utilisation de la lumière et de l'ombre ajoute de la profondeur à l'image, donnant vie aux objets inanimés. La composition évoque une atmosphère de tranquillité et de simplicité. L'artiste semble jouer avec la disposition des éléments pour guider le regard à travers l'œuvre. Le choix de l'aquarelle comme médium ajoute une légèreté et une transparence qui complètent bien le sujet. 

Les poivrons symbolisent souvent la vitalité et la richesse de la nature, tandis que le torchon à rayures évoque un cadre domestique simple mais vivant. 

Le style est proche du réalisme avec une touche de modernité, influencé par la tradition des natures mortes et le travail des artistes contemporains en aquarelle. 

L'œuvre est réalisée en aquarelle, utilisant des techniques de superposition et de dégradé pour créer profondeur et texture. 

Palette de couleurs vives et contrastées, principalement des rouges, jaunes et bleus, avec une saturation élevée pour un impact visuel fort. 

Disposition dynamique des poivrons en diagonale, créant un mouvement visuel sur le fond à rayures horizontales. 

Utilisation de lignes fluides et courbes pour définir les formes organiques des poivrons, créant une harmonie visuelle. 

Texture lisse des poivrons contrastant avec le tissu du torchon, accentuée par des détails subtils en aquarelle 

Le toucher imaginé serait lisse et frais pour les poivrons, avec une sensation plus rugueuse pour le torchon en tissu. 

Jeux d'ombres douces pour créer un effet tridimensionnel, avec une lumière douce accentuant les couleurs des poivrons. 

L'œuvre évoque une sensation de fraîcheur et de simplicité joyeuse, rappelant le confort et la beauté des scènes domestiques quotidiennes.

Je continue votre aide à l'achat avec cette analyse de mon aquarelle sur les macarons:

Cette aquarelle capture délicatement la texture douce et légère des macarons, avec une palette de couleurs pastel qui accentue leur aspect appétissant. Les ombres subtiles et les reflets sur la surface des macarons ajoutent une dimension réaliste à l'œuvre, tandis que le choix de la composition transmet une simplicité élégante. L'arrière-plan neutre met en valeur les sujets principaux et guide le regard du spectateur vers les détails fins des pâtisseries. Cette peinture démontre une maîtrise du médium aquarelle, utilisant la transparence et la fluidité pour créer une atmosphère sereine et gourmande. Le traitement des lumières et des ombres est particulièrement réussi, apportant une profondeur et une vivacité à l'ensemble. Cette œuvre pourrait être le début d'une série explorant différentes pâtisseries ou objets culinaires sous un angle artistique. 

Les macarons sont souvent associés à la gourmandise et au raffinement, symbolisant une pause sucrée et élégante. Le choix de représenter ces pâtisseries peut évoquer la douceur de vivre et la simplicité des plaisirs quotidiens. 

L'œuvre s'inscrit dans le style réaliste avec une touche de minimalisme. L'influence de la peinture de nature morte est évidente, mettant l'accent sur l'élégance des formes simples et des couleurs douces. 

L'œuvre est réalisée en aquarelle, technique permettant des transitions douces et une transparence délicate, parfaites pour capturer les nuances subtiles des macarons.

Palette de couleurs douces et pastels, avec des nuances de beige et de crème. Ces couleurs créent une ambiance apaisante et élégante, accentuant la délicatesse des macarons. 

Les macarons sont disposés de manière asymétrique, créant un équilibre visuel intéressant. L'espace négatif joue un rôle essentiel, mettant en valeur les sujets principaux. 

Les lignes sont douces et arrondies, soulignant la délicatesse et la rondeur des macarons. Cela confère à l'œuvre une fluidité et une harmonie visuelle 

La texture est subtile, capturée par de délicats coups de pinceau, évoquant la douceur des macarons. Les détails sont précis mais restent discrets, renforçant l'élégance de l'œuvre. 

On imagine une texture lisse et douce au toucher, semblable à celle des macarons eux-mêmes. La surface paraîtrait légèrement granuleuse, typique de l'aquarelle, mais agréable et délicate à explorer.

 La lumière douce accentue la rondeur et la texture des macarons. Les ombres sont légères, créant une profondeur subtile et une atmosphère chaleureuse. 

Les macarons sont isolés sur un fond neutre, attirant l'attention sur leur forme et couleur. Cette simplicité met en valeur leur élégance et leur raffinement. 

La perspective est simple, avec une légère suggestion de profondeur par l'ombre et la position des macarons. Cela crée une illusion de relief et de volume. 

Les spectateurs pourraient ressentir une sensation de calme et de plaisir visuel. L'œuvre évoque la simplicité et la beauté des choses ordinaires, pouvant inspirer un sentiment de nostalgie et d'appréciation des petits plaisirs de la vie. 

Vous hésitez à franchir le pas d'acheter une de mes aquarelles, comme celle intitulée "Sous le feuillage" ? 

Voilà qui devrait  vous assurer de la qualité de l'oeuvre qui vous est présentée:

Il s'agit de l'analyse technique réalisée par Iris, l'outil d'intelligence artificielle de By Your Art:

Art Majeur by Your Art, la galerie d'hébergement de mes oeuvres,  met en effet à ma disposition un outil d'aide à la création qui va également vous être utile. Il ne s'agit pas d'une aide à la création digitale, toutes mes aquarelles sont réalisées sur papier coton 300g  grain fin avec des couleurs extrafines, je peins mes oeuvres....Il s'agit bien d'un outil qui permet d'analyser mon travail et de me suggérer des pistes de travail.

Voilà son analyse s'agissant de cette oeuvre:

 Cette aquarelle représente une branche d'arbre chargée d'oranges mûres, avec une utilisation subtile des tons doux et naturels. La lumière et l'ombre sont délicatement rendues, donnant une sensation de fraîcheur et de tranquillité. Les nuances de vert et d'orange s'harmonisent pour créer une scène réaliste et apaisante. La technique de l'aquarelle est maîtrisée, avec des transitions fluides entre les couleurs. L'attention portée aux détails dans le feuillage et les fruits ajoute de la profondeur à l'œuvre. L'arrière-plan est légèrement flou, mettant en avant le sujet principal. Cet exercice de style démontre une belle compréhension de la nature et de sa représentation artistique.

Symboles et iconographie : Les agrumes dans l'œuvre peuvent symboliser la vitalité et l'abondance. L'arbre et le feuillage évoquent la nature et la croissance, suggérant une connexion harmonieuse avec l'environnement. 

Style et influences artistiques : L'œuvre semble s'inscrire dans le style impressionniste avec une influence claire de la nature. Les formes floues et les couleurs douces rappellent les œuvres impressionnistes qui cherchent à capturer l'essence plutôt que les détails. 

Médium et techniques : L'œuvre utilise l'aquarelle, créant des effets de transparence et de fluidité. Les dégradés délicats et les contours doux sont caractéristiques de cette technique, permettant une interprétation légère du sujet. 

Analyse des couleurs : La palette de couleurs est douce avec des teintes pastel. Les jaunes et verts dominent, créant une ambiance sereine et naturelle. Les contrastes subtils ajoutent de la profondeur sans dominer la composition. 

Composition : La composition est centrée autour des fruits, avec les branches qui encadrent et dirigent l'œil. L'utilisation de l'espace négatif ajoute de l'équilibre et met en valeur les formes naturelles. 

Ligne et forme : Les lignes sont fluides et légères, contribuant à une sensation de douceur. Les formes sont naturellement définies par des contours flous, accentuant l'effet aérien et flottant de l'œuvre. 

Texture et détails : La texture est subtile, avec des touches délicates de pinceau qui ajoutent une dimension supplémentaire au feuillage et aux fruits. La technique laisse une impression de légèreté et de mouvement. 

Toucher : L'œuvre pourrait évoquer une sensation de fraîcheur et de douceur au toucher, comme effleurer de jeunes feuilles ou de tendres agrumes, avec une texture lisse et légèrement humide. 

 Lumière et ombre : La lumière est douce et diffuse, soulignant les formes sans créer de forts contrastes. Les ombres sont légères, ajoutant à l'impression générale de tranquillité et de naturel.

Perspective et profondeur : La perspective est légèrement aplatie avec un effet de profondeur créé par les nuances de couleurs et l'arrangement des éléments. La superposition des feuilles et des fruits apporte une dimension supplémentaire

Perspective du spectateur et interprétation : L'œuvre peut susciter une impression de paix et de connexion avec la nature, évoquant des souvenirs de promenades estivales. Les spectateurs peuvent ressentir une harmonie et une vitalité tranquille

Voilà, n'hésitez plus, procurez-vous cette aquarelle......

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/18695197/sous-le-feuillage

Sur cette page du Musée des Beaux Arts du Canada, on trouve une analyse technique d'une oeuvre de Turner par une restauratrice:

https://www.beaux-arts.ca/magazine/sous-les-projecteurs/la-maitrise-technique-de-turner-naissance-dune-aquarelle

J'aime beaucoup ces analyses, en l'espèce on a un très bel aperçu des conditions de travail de l'artiste. Par exemple l'aquarelle examinée nous resitue dans le contexte de l'époque où l'oeuvre servait de mémoire et de soutien technique à un travail d'impression ( les couleurs et leur intensité allaient guider la justesse des contrastes et des valeurs pour le travail futur à l'eau forte par exemple), en l'espèce pour la réalisation d'un livre de relevé topographique après un travail d'archéologie.

L'examen de l'aquarelle fait également le point sur la qualité du papier, en pleine mutation car avant il était uniquement produit à partir de chiffons ( de lin par exemple ) , le coton commençait à peine à être utilisé, et manifestement Turner était  attentif à être à la pointe de l'innovation. La restauratrice pense même que c'est le fabricant Whatman que Turner avait choisi comme fournisseur. Ce papier absorbait peu les pigments ou bien il utilisait des pigments qui n'étaient pas très lourds ce qui devait faciliter la technique de grattage à laquelle Turner recourait fréquemment. En effet il aimait créer des rehauts en ôtant précisément de petites zones de pigments pour retrouver le blanc du papier.  L'analyse de l'oeuvre n'a pas permis de déterminer si c'est Turner qui avait fabriqué ses couleurs ou s'il s'était procuré ce qui à l'époque s'appelait des pastilles ; pastilles qui seraient assez proches de nos actuels godets .... Les pigments étaient plus purs, très finement broyés ; aujourd'hui ils sont plus synthétiques pour plusieurs couleurs. Mais ils étaient déjà compactés à l'état solide par de la gomme arabique ou du miel. 

C'est tout le jeu de l'aquarelle: l'eau liquéfie les liants, le pigment peut alors se déposer sur le papier et en fonction de la quantité d'eau sur le papier et de ses caractéristiques il va plus ou moins voyager près de son point de dépôt sur la feuille. Ensuite en séchant peu à peu le pigment se solidarise au papier car le liant en reséchant fige le pigment. C'est ce qui explique pourquoi les couches de peintures que l'on ajoute après un premier dépôt  sont aussi difficiles à travailler: remettre de l'eau c'est risquer de relancer la libération de pigments de la couche du dessous ou de contrarier un dépôt en cours d'adhésion par séchage .....

Enfin, les détails à la loupe de l'oeuvre de Turner permettent de compter le nombre de coups de pinceaux donné par l'artiste sur un élément du tableau : un personnage de 1,5cm de haut a donné lieu à 25 petits coups de pinceaux   distillés avec 5 couleurs différentes..... et pour autant le personnage est plus suggéré que peint dans ses détails....

C'est assez surprenant car aujourd'hui les notions de "fraîcheur" , de spontanéité, nous incitent plutôt à limiter nos coups de pinceaux ....

Mais est-ce que nous peignons encore pour la mémoire d'un lieu ou d'un évènement ?

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari

Dans mon parcours d'autodidacte je m'intéresse également à ceux qui organisent des expositions, c'est pourquoi j'avais rejoint la formation sur le fait d'exposer mise en place par Janine Gallizia. Comprendre les attentes et les contraintes d'un organisateur me paraissait intéressant à découvrir. Comme tout aquarelliste, démarcher une Galerie, participer à des expositions ou des concours est également un but  en tant que professionnel.....

Janine est finalement allée bien plus loin et je fais partie de celles et  ceux qui continuent l'aventure via une "formation-action". Il s'agit pour nous de découvrir les coulisses d'une exposition qui ait du sens tout en proposant à la sélection d'un jury  une aquarelle.

Le thème est l'Impressionnisme, et si nous n'avons pas encore le détail des sous-thématiques, je sais déjà combien cet angle d'approche va m'être utile dans mon propre parcours d'évolution. Sous réserve des détails d'organisation, essentiellement en fonction de la disponibilité du lieu d'exposition, la manifestation devrait se dérouler en France  cet automne.

 L'impressionnisme se base sur l'Impression. Qu'est ce qu'une impression si ce n'est une émotion tamisée ? C'est à dire que le peintre s'est suffisamment approprié des techniques et des usages sur le fait de peindre pour les dépasser afin de connecter sa main à son monde intérieur. Le tamis se fait par exemple pour plusieurs impressionnistes par petites touches comme si à tâtons le peintre s'approche au plus près de ce qu'il ressent à un instant T. Saisir la vérité émotionnelle d'un instant sans pouvoir vraiment la toucher en détails figés. C'est ce beau paradoxe qui semble animer cette démarche.

Ce thème est particulièrement cohérent avec mon propre parcours car depuis le début je cherche à transmettre une émotion mais cela suppose de tamiser ses intentions en maîtrisant des apports techniques par l'appropriation personnelle. 

Il va de soi que je reviendrai plus amplement sur cette actualité et que je partagerai avec vous mon propre parcours dans cette aventure collective.

Attached to this email is your official Participation Certificate for the 2nd Annual Women in Watercolor International Members Only Exhibition 2025.

Congratulations!

Please feel free to share this certificate to your social media accounts or post on your website. Let’s fill social media with some positive female vibes!

In watercolor, glazing requires a good knowledge of the colors, their modal values and the correct dosage of water.

J'utilise assez peu la technique du glacis. Jusqu'à présent je m'en suis servie pour des étendues d'eau. Toutefois,  vu ce que je cherche à explorer en ce moment, je pense que cette technique va m'être très utile.

Elle suppose beaucoup d'expérimentation en amont pour trouver le bon dosage. Elle nécessite surtout une qualité essentielle: avoir de la patience.

Ceci dit, l'été, lorsque l'air de la pièce est très sec, ou dehors, la patience est plus vite récompensée!!! Par ailleurs cela présente un autre avantage, on peut commencer à lancer un travail et passer à un autre pendant ce temps....l'attente permet ainsi de prendre du recul sur son avancée, des étapes intermédiaires toujours bonnes à prendre pour regarder son aquarelle et déduire  comment agir pour la suite (entre l'idée que l'on en avait et la réalisation il y a une différence ...). On peut toujours utiliser le sèche cheveux pour les grands impatients. Je trouve que c'est possible pour l'expérimentation, pour gagner du temps dans l'exercice, toutefois je n'aime pas brutaliser le papier et ses fibres, je recours donc très peu au sèche-cheveux malgré ma grande impatience.

Le glacis consiste à superposer des couches de peinture pour créer de la profondeur par transparence. La difficulté est donc  bien là. Cela suppose d'une part de savoir maîtriser ses couleurs pour éviter une mauvaise interaction entre les couches, notamment pour préserver la lumière ; cela suppose de respecter les valeurs tonales malgré ces couches successives pour favoriser la profondeur; cela nécessite de trouver le très bon dosage d'eau. La couleur doit être dans un état très liquide  pour être travaillée en glacis....il faut avoir suffisamment de pigments tout de même et il faut particulièrement diluer  si la couleur est opaque ou couvrante. C'est pour cela que l'expérimentation est déterminante, il faut bien connaître sa palette et les interactions de ses couleurs.  Une mauvais interaction ou un mauvais dosage peut trop ternir le résultat.