Le portrait est-il spécifique dans son approche ? 

Son intention a été pendant les siècles précédant l'avènement de la photographie un travail de mémoire, pouvoir disposer de l'image des ancêtres, ou bien un travail visant à un message plus politique ( faire état d'une puissance, d'une grandeur, d'un évènement marquant dans la vie d'un personnage public....).

L'utilisation de symboles, de couleurs spécifiques, de scènes historiques.... servaient ces intentions.

La photographie a permis à l'aquarelle de s'évader pour jouer sa partition de la spontanéité, de la transparence, de l'instant .... dans l'exercice du portrait. La ressemblance n'est pas le premier but. Il s'agit le plus souvent de capter une émotion en jouant sur les couleurs, les valeurs, le mouvement induit par le lien entre les formes.... Sans compter l'art du sketching  qui croque sur le vif attitudes et regards.

Je m'y suis rarement essayé, j'en ai le souvenir d'un travail de funambule où alternaient technique sur sec ou sur humide avec toujours  la peur d'en faire trop.

Je vais retenter ma chance en cherchant plus de mouvement dans l'approche

Avec Artefacto School

Sur le thème de la nature je vous propose une nouvelle oeuvre à la vente

Très rapidement lorsque l'on peint on s'intéresse à la roue des couleurs. Il s'agit d'un cercle sur lequel on va poser les différentes couleurs. Si on met en haut du cercle la couleur Jaune, en symétrie opposée, en bas, on mettra du Violet. Il faut savoir que plus les couleurs sont éloignées les unes des autres sur la roue , plus leur mélange sera fort mais à risque: en séchant  parfois la couleur sera très terne ou dure. On la dit souvent "rompue" car la lumière a parfois du mal à trouver sa place.

On identifie assez facilement les 3 couleurs  dites primaires: le Jaune, le Rouge et le Bleu. souvent on pense aussi au vert surtout que plusieurs marques identifient leur appellation de couleurs primaires en leur donnant le nom de leur marque. Mais le Vert nait de l'addition du Bleu et du Jaune, soit de l'addition de deux couleurs primaires, c'est ce que l'on appelle une couleur secondaire. 

Ce qui est amusant c'est de voir ce qui se passe lorsque l'on n'utilise que 2 primaires pour délaisser la 3ème:

Rouge + Jaune = Orange.  Dans cette opération j'ai délaissé le Bleu. Or, sur la roue, le Bleu a pour voisin opposé le Orange. Cela veut dire que Bleu + Orange en se mélangeant vont donner des couleurs plus ou moins rompues selon les dilutions. On donne l'appellation de couleur complémentaires à ces opposées sur la roue. elles sont utiles à mélanger pour créer des gris.

Si on s'amuse avec deux autres couleurs:

Jaune + Bleu = Vert. Dans cette addition j'ai délaissé le Rouge.  Le Rouge se situe en face du Vert sur la roue des couleurs. Le Vert et le Rouge sont des couleurs complémentaires. 

Bleu + Rouge = Violet. J'ai délaissé le Jaune. Le Jaune se situe en face du violet sur la roue.

Si je reviens à ma palette restreinte ( voir mes articles précédents) , je place mes couleurs grossièrement sur la roue. Cela m'indique lesquelles sont proches, lesquelles sont opposées, celles que je vais pouvoir mélanger pour rechercher des complémentaires ou  des secondaires etc ....Cela m'aide à être moins à l'aveugle dans mes mélanges pour avoir plus conscience des apports et des risques des mélanges, ....cela m'aide à réfléchir à l'ambiance que je veux donner à mon aquarelle.

Exemple de disposition grossière:

https://sylvie-cesari.artmajeur.com/fr/

Dans un précédent article  je vous sensibilisais à l'importance des informations données par les fabricants de tubes et godets d'aquarelle. 

Ces informations sont, me semble-t-il, essentielles. Très souvent il est recommandé aux débutants de se concentrer sur trois couleurs, les primaires en général ( Bleu, Jaune, Rouge) et de se servir d'une palette limitée. Il est également très conseillé de commencer par des peintures en mono-chrome. 

Plus on avance dans l'expérimentation et l'expérience et plus on comprend que "suivre" ces indications sans essayer de comprendre altère son propre processus d'évolution.

Si par exemple vous choisissez une couleur qui ne propose pas une grande variété d'intensités de variations dans ses teintes, vous risquez d'échouer das votre tentative de peindre en mono-chrome. En effet, la profondeur, pourra venir à manquer dans votre aquarelle, entre autres déceptions.

Cela fait trois ans que je peins et j'ai décidé de prendre ce sujet plus de front car je vois bien que pour devenir autonome dans mes choix artistiques et mon cheminement je dois être bien plus attentive à ces aspects techniques de l'aquarelle. Et ce pour mieux faire se rencontrer ces aspects avec mes ressentis.

Dans ce but actuellement je me suis mise une contrainte. Je doute que le peintre Turner ait disposé à son époque de couleurs aussi pléthores en propositions de marchands. Aujourd'hui l'industrie chimique par des méthodes de synthèse est à l'oeuvre pour que nos présentoirs soient remplis. J'imagine que Turner disposait lui de pigments plus "naturels" sous appellations Terre de Sienne, Terre d'ombre, Terre verte, Rouge indien, Ocre Jaune.....

Bien sûr mes tubes, sous ces appellations,  même avec des marques sérieuses, même en aquarelle extrafine, sont sûrement plus issus de méthodes de synthèse que de l'extraction de pigments naturels. Et je ne suis pas certaine d'avoir des savoir-faire avertis pour peindre avec des pigments bien plus naturels. 

Toutefois je me suis mise cette contrainte en ce moment d'essayer de ne peindre qu'avec une palette restreinte faisant la part belle à ces couleurs d'avant XIXème siècle. Cela m'oblige à rechercher pour chaque couleur ses caractéristiques pour mieux la comprendre. Surtout que plusieurs d'entre elles sont très teintantes ou opaques. 

En quoi  ce serait une contrainte ? Etre une couleur teintante cela veut dire que même transparente la couleur a du corps, elle peut très bien se déposer au plus loin du coeur du papier. Elle sera donc difficile à atténuer, à jouer en transparences avec les autres couleurs, à retirer ; l'erreur sera vite sanctionnée dans ses choix ou sa temporalité d'action, l'aquarelle vite ruinée. Opaque, cela veut dire que tout pourra vite se transformer en boue surtout si  par mégarde on pose une couleur transparente sur une opaque. Tout effet précédent pourra tout aussi bien disparaître, étouffé par l'éteinte de la lumière. 

Et tout à la fois, ternir, éteindre, pousser vers l'arrière....voilà qui par contrastes ou complémentarités  et dualités va mettre en valeur la lumière.....

Je ne sais pas si je vais réussir, mais au moins j'aurais beaucoup appris car cette contrainte m'a déjà fait découvrir non pas la pluralité des couleurs mais celle de la lumière ( plate, étouffée, lumineuse, éteinte, terne, révélée....),

More important that knowing  colors : knowing the light

L'aquarelle est un jeu de pigments et d'eau que le pinceau distribue. Plusieurs pinceaux sont aujourd'hui à notre disposition, beaucoup de marques de qualité innovent sans arrêt pour de nouvelles propositions.
Les formes varient: pinceau rond, pointu, évasé en forme d’éventail, pinceau dit en forme d'épée, pinceau rond disposant d'une pointe en son centre .....La forme peut servir le graphisme, surtout au moment des détails.
Les poils peuvent être naturels, synthétiques ou mixtes. Le poil synthétique est souvent plus nerveux, mais il garde moins d'eau que le poil naturel. Synthétiques ou naturels, certains pinceaux ont une capacité de réserve d'eau grâce à leur montage, cela veut dire que l'on peut les garder humides plus longtemps tout le long du processus d'application ce qui évite l'apparition de blanc par perte d'eau et de pigments lors du trait. Évidemment, si ce sont ces "ratés" que l'on recherche, par exemple pour simuler une écume lointaine, alors ce ne sont pas ces pinceaux qu'il faudra employer sauf à les sécher avec du papier absorbant. Il est plus facile de faire des retraits de pigments pour retrouver le blanc du papier avec des pinceaux synthétiques plats. Ces deux exemples pour illustrer le fait que chaque pinceau a son intérêt, il ne s'agit pas de les opposer pour n'avoir que telle ou telle matière de poils dans son trousseau car chacune peut avoir son utilité en fonction du sujet ou de la technique.
Lorsque l'on débute on est un peu obligé de tester différents pinceaux pour voir et comprendre les côtés utiles de chacun. Petit à petit on a ses préférés, petit à petit les préférences évoluent en fonction de la technique et des sujets....des temps de la réalisation ( les pinceaux des premières touches, les pinceaux des valeurs moyennes, ceux des détails ....).

Vous avez compris que j'utilise tous types de pinceaux, j'en ai même en poils de poney, très durs, très utiles pour des projections

Ces jours-ci je vais travailler des idées d'aquarelle, il arrive que je n'aille pas au bout de cette impulsion. Après réflexion le sujet ne me semble pas aussi intéressant que je croyais ou bien je remets à plus tard car je n'arrive pas à trouver comment je vais le traiter pour rendre ce que j'ai envie de donner. Il reste ainsi en suspend, soit dans mes pensées, soit dans mes promenades, parfois un croquis a été esquissé au crayon, au feutre ou au fusain.....et il n'arrive pas à franchir le seuil. C'est juste pas le moment.

L'intérêt du croquis réside dans le fait de poser son idée de sujet, ses intentions, d'essayer de voir comment répartir les éléments, les valeurs, confronter son idée à une possible réalisation...

Ensuite il n'est pas toujours facile de s'en détacher pour retrouver une fraîcheur dans l'aquarelle. S'approprier le sujet c'est le croquis, le dépasser c'est, selon moi, arriver à peindre l'aquarelle.

Using sketches allows you to take ownership of the subject, to confront your idea and intentions with a painting process (location of elements, values, colors, etc.). Painting is going beyond the subject

Travail avec Janine Gallizia

La photographie en support pour un peintre peut être un miroir aux alouettes pour s'assurer une aquarelle réussie. Il suffit de donner du temps à ses propres photos pour s'apercevoir qu'elles ont souvent moins d'intérêt que ce que l'on pensait quelques mois ou quelques années avant, au moment où, appareil contre soi, on saisissait le cliché. 

Que la photo soit imparfaite, ennuyeuse, déconnectée d'un présent actuel...maladroite....est cependant le plus beau cadeau qui soit. 

Le parfait enferme, difficile de suggérer autre chose pinceau en main. Par ailleurs, ce qui fonctionne photographiquement peut ne susciter aucun intérêt en peinture. 

L'imparfait ouvre des champs des possibles car il oblige à se demander où peut se situer un point d'intérêt, quelles couleurs employer qui seraient plus fidèles au souvenir du cliché, à ses circonstances....il oblige à se réapproprier l'image, l'instant, le souvenir

A painting made from a photo can be boring even though the photo is perfect. Unperfect needs recomposing the scene. It gives more freedom for the painter

Je pense que pour le papier aquarelle tout le monde peut trouver son bonheur tellement les offres sont variées, papier cellulose, papier en bambou, papier en coton , papier mixte cellulose-coton .....

L'essentiel pour une aquarelle c'est de choisir un papier adapté à la technique de son choix. En effet si par exemple l'aquarelliste veut utiliser beaucoup d'eau, son attente ne sera pas la même que s'il va travailler sur sec. Certains papiers absorbent beaucoup les pigments, d'autres les laissent plus en surface. Les retraits de blanc sont parfois plus aisés sur certains papiers en coton que sur du cellulose, mais tous les papiers coton ne sont pas pour autant aisés à maîtriser....Enfin d'autres aspects sont importants à prendre en compte: le grammage du papier ( 200 à 640g le plus souvent) ou encore le mode de fabrication, artisanal ou industriel, avec le type de texture associé ( grain satiné, grain fin ou grain torchon)

Pour s'y retrouver....il faut expérimenter. Plusieurs commerçants ont la gentillesse de joindre des échantillons suite à une commande, c'est bien pratique pour tester une marque ou une texture. Certaines promotions aident à franchir le pas d'un papier de très bonne qualité pour celui qui débute ou pour le curieux en recherche de nouvelles sensations.

Pour l'instant je privilégie du papier coton à grain fin, de 300g. J'utilise très souvent les marques Arches, Fabriano Artistico ou St Cuthberts Mill.

Pour garantir le sérieux de mon activité je suis déclarée en artiste auteur peintre conformémnt à la législation française.

In accordance with French legislation I am declared as an artist author painter