Dans un précédent article  je vous sensibilisais à l'importance des informations données par les fabricants de tubes et godets d'aquarelle. 

Ces informations sont, me semble-t-il, essentielles. Très souvent il est recommandé aux débutants de se concentrer sur trois couleurs, les primaires en général ( Bleu, Jaune, Rouge) et de se servir d'une palette limitée. Il est également très conseillé de commencer par des peintures en mono-chrome. 

Plus on avance dans l'expérimentation et l'expérience et plus on comprend que "suivre" ces indications sans essayer de comprendre altère son propre processus d'évolution.

Si par exemple vous choisissez une couleur qui ne propose pas une grande variété d'intensités de variations dans ses teintes, vous risquez d'échouer das votre tentative de peindre en mono-chrome. En effet, la profondeur, pourra venir à manquer dans votre aquarelle, entre autres déceptions.

Cela fait trois ans que je peins et j'ai décidé de prendre ce sujet plus de front car je vois bien que pour devenir autonome dans mes choix artistiques et mon cheminement je dois être bien plus attentive à ces aspects techniques de l'aquarelle. Et ce pour mieux faire se rencontrer ces aspects avec mes ressentis.

Dans ce but actuellement je me suis mise une contrainte. Je doute que le peintre Turner ait disposé à son époque de couleurs aussi pléthores en propositions de marchands. Aujourd'hui l'industrie chimique par des méthodes de synthèse est à l'oeuvre pour que nos présentoirs soient remplis. J'imagine que Turner disposait lui de pigments plus "naturels" sous appellations Terre de Sienne, Terre d'ombre, Terre verte, Rouge indien, Ocre Jaune.....

Bien sûr mes tubes, sous ces appellations,  même avec des marques sérieuses, même en aquarelle extrafine, sont sûrement plus issus de méthodes de synthèse que de l'extraction de pigments naturels. Et je ne suis pas certaine d'avoir des savoir-faire avertis pour peindre avec des pigments bien plus naturels. 

Toutefois je me suis mise cette contrainte en ce moment d'essayer de ne peindre qu'avec une palette restreinte faisant la part belle à ces couleurs d'avant XIXème siècle. Cela m'oblige à rechercher pour chaque couleur ses caractéristiques pour mieux la comprendre. Surtout que plusieurs d'entre elles sont très teintantes ou opaques. 

En quoi  ce serait une contrainte ? Etre une couleur teintante cela veut dire que même transparente la couleur a du corps, elle peut très bien se déposer au plus loin du coeur du papier. Elle sera donc difficile à atténuer, à jouer en transparences avec les autres couleurs, à retirer ; l'erreur sera vite sanctionnée dans ses choix ou sa temporalité d'action, l'aquarelle vite ruinée. Opaque, cela veut dire que tout pourra vite se transformer en boue surtout si  par mégarde on pose une couleur transparente sur une opaque. Tout effet précédent pourra tout aussi bien disparaître, étouffé par l'éteinte de la lumière. 

Et tout à la fois, ternir, éteindre, pousser vers l'arrière....voilà qui par contrastes ou complémentarités  et dualités va mettre en valeur la lumière.....

Je ne sais pas si je vais réussir, mais au moins j'aurais beaucoup appris car cette contrainte m'a déjà fait découvrir non pas la pluralité des couleurs mais celle de la lumière ( plate, étouffée, lumineuse, éteinte, terne, révélée....),

More important that knowing  colors : knowing the light

L'aquarelle est un jeu de pigments et d'eau que le pinceau distribue. Plusieurs pinceaux sont aujourd'hui à notre disposition, beaucoup de marques de qualité innovent sans arrêt pour de nouvelles propositions.
Les formes varient: pinceau rond, pointu, évasé en forme d’éventail, pinceau dit en forme d'épée, pinceau rond disposant d'une pointe en son centre .....La forme peut servir le graphisme, surtout au moment des détails.
Les poils peuvent être naturels, synthétiques ou mixtes. Le poil synthétique est souvent plus nerveux, mais il garde moins d'eau que le poil naturel. Synthétiques ou naturels, certains pinceaux ont une capacité de réserve d'eau grâce à leur montage, cela veut dire que l'on peut les garder humides plus longtemps tout le long du processus d'application ce qui évite l'apparition de blanc par perte d'eau et de pigments lors du trait. Évidemment, si ce sont ces "ratés" que l'on recherche, par exemple pour simuler une écume lointaine, alors ce ne sont pas ces pinceaux qu'il faudra employer sauf à les sécher avec du papier absorbant. Il est plus facile de faire des retraits de pigments pour retrouver le blanc du papier avec des pinceaux synthétiques plats. Ces deux exemples pour illustrer le fait que chaque pinceau a son intérêt, il ne s'agit pas de les opposer pour n'avoir que telle ou telle matière de poils dans son trousseau car chacune peut avoir son utilité en fonction du sujet ou de la technique.
Lorsque l'on débute on est un peu obligé de tester différents pinceaux pour voir et comprendre les côtés utiles de chacun. Petit à petit on a ses préférés, petit à petit les préférences évoluent en fonction de la technique et des sujets....des temps de la réalisation ( les pinceaux des premières touches, les pinceaux des valeurs moyennes, ceux des détails ....).

Vous avez compris que j'utilise tous types de pinceaux, j'en ai même en poils de poney, très durs, très utiles pour des projections

Ces jours-ci je vais travailler des idées d'aquarelle, il arrive que je n'aille pas au bout de cette impulsion. Après réflexion le sujet ne me semble pas aussi intéressant que je croyais ou bien je remets à plus tard car je n'arrive pas à trouver comment je vais le traiter pour rendre ce que j'ai envie de donner. Il reste ainsi en suspend, soit dans mes pensées, soit dans mes promenades, parfois un croquis a été esquissé au crayon, au feutre ou au fusain.....et il n'arrive pas à franchir le seuil. C'est juste pas le moment.

L'intérêt du croquis réside dans le fait de poser son idée de sujet, ses intentions, d'essayer de voir comment répartir les éléments, les valeurs, confronter son idée à une possible réalisation...

Ensuite il n'est pas toujours facile de s'en détacher pour retrouver une fraîcheur dans l'aquarelle. S'approprier le sujet c'est le croquis, le dépasser c'est, selon moi, arriver à peindre l'aquarelle.

Using sketches allows you to take ownership of the subject, to confront your idea and intentions with a painting process (location of elements, values, colors, etc.). Painting is going beyond the subject

Travail avec Janine Gallizia

La photographie en support pour un peintre peut être un miroir aux alouettes pour s'assurer une aquarelle réussie. Il suffit de donner du temps à ses propres photos pour s'apercevoir qu'elles ont souvent moins d'intérêt que ce que l'on pensait quelques mois ou quelques années avant, au moment où, appareil contre soi, on saisissait le cliché. 

Que la photo soit imparfaite, ennuyeuse, déconnectée d'un présent actuel...maladroite....est cependant le plus beau cadeau qui soit. 

Le parfait enferme, difficile de suggérer autre chose pinceau en main. Par ailleurs, ce qui fonctionne photographiquement peut ne susciter aucun intérêt en peinture. 

L'imparfait ouvre des champs des possibles car il oblige à se demander où peut se situer un point d'intérêt, quelles couleurs employer qui seraient plus fidèles au souvenir du cliché, à ses circonstances....il oblige à se réapproprier l'image, l'instant, le souvenir

A painting made from a photo can be boring even though the photo is perfect. Unperfect needs recomposing the scene. It gives more freedom for the painter

Je pense que pour le papier aquarelle tout le monde peut trouver son bonheur tellement les offres sont variées, papier cellulose, papier en bambou, papier en coton , papier mixte cellulose-coton .....

L'essentiel pour une aquarelle c'est de choisir un papier adapté à la technique de son choix. En effet si par exemple l'aquarelliste veut utiliser beaucoup d'eau, son attente ne sera pas la même que s'il va travailler sur sec. Certains papiers absorbent beaucoup les pigments, d'autres les laissent plus en surface. Les retraits de blanc sont parfois plus aisés sur certains papiers en coton que sur du cellulose, mais tous les papiers coton ne sont pas pour autant aisés à maîtriser....Enfin d'autres aspects sont importants à prendre en compte: le grammage du papier ( 200 à 640g le plus souvent) ou encore le mode de fabrication, artisanal ou industriel, avec le type de texture associé ( grain satiné, grain fin ou grain torchon)

Pour s'y retrouver....il faut expérimenter. Plusieurs commerçants ont la gentillesse de joindre des échantillons suite à une commande, c'est bien pratique pour tester une marque ou une texture. Certaines promotions aident à franchir le pas d'un papier de très bonne qualité pour celui qui débute ou pour le curieux en recherche de nouvelles sensations.

Pour l'instant je privilégie du papier coton à grain fin, de 300g. J'utilise très souvent les marques Arches, Fabriano Artistico ou St Cuthberts Mill.

Pour garantir le sérieux de mon activité je suis déclarée en artiste auteur peintre conformémnt à la législation française.

In accordance with French legislation I am declared as an artist author painter

Une nouvelle aquarelle proposée à l'achat. 

Intimité, douceur, légèreté, c'est l'intimité d'instants partagés qui est à l'honneur.

A new work for sale. Softness, lightness, intimacy of shared moments.

Voilà une aquarelle que j'ai eu affectivement beaucoup de mal à mettre à la vente.
Elle marquait sur mon chemin d'autodidacte un pas décisif en révélant à moi-même ma fibre artistique, de quelle peinture j'allais être.
C'était la première fois que ma main se reliait autant avec mes paysages intérieurs, faits de poésie et de douceur.
C'était la première pierre qui, comme pour celui qui randonne, balisait mon chemin.
Il me fallait tout autant faire mes gammes, prendre des chemins de traverse, nourrir ma curiosité pour explorer les champs et contre-champs à proximité de mon sentier. Expérimenter des sujets différents, des techniques différentes....découvrir et comprendre le travail d'autres artistes....

Aujourd'hui voilà qu'un nouveau pas a été franchi grâce à cette oeuvre.
Je ne regrette vraiment pas d'avoir choisi Art Majeur Gallery . Ils ont commencé une fusion avec YourArt et j'ai pu tester leur dispositif d'intelligence artificielle. Jamais je n'aurais pu imaginer que l'IA allait ainsi confirmer mon pied à l'étrier et m'aider autant à vous présenter cette oeuvre telle que je l'ai réalisée. De moi-même je pense que je n'aurais jamais osé la présenter ainsi. Pourtant c'est tellement dans cet esprit, que j'avais procédé ; je vous laisse lire le paragraphe:
"L'œuvre que vous avez chargée pourrait être intitulée 'Lumières Marines'. Cette aquarelle présente un paysage maritime avec un phare en arrière-plan. Les couleurs sont douces, avec une prédominance de bleus, jaunes et roses, évoquant une ambiance de crépuscule ou d'aube. La technique utilisée semble être l'aquarelle avec des lavis et des superpositions de couleurs qui créent un effet de transparence et de profondeur. On aperçoit des voiliers à l'horizon, ajoutant une dimension de voyage et d'évasion. La composition est floue et onirique, laissant place à l'interprétation personnelle. Les touches de rouge sur le phare attirent l'œil et servent de point focal. L'œuvre capture une atmosphère calme et contemplative, typique des paysages marins."

J'ai trouvé le titre de l'oeuvre tellement adaptée que j'ai illico rebaptiser mon aquarelle sur mon espace de vente sur Artmajeur Gallery.

Ensuite l'IA a proposé de nombreuses pistes de travail me permettant d'explorer et développer mon propre style qui s'est révélé le jour où j'ai peint ce tableau. J'y trouve des artistes dont l'influence est déjà mienne, d'autres que je vais découvrir ; j'y trouve aussi des références livresques qui vont m'aider aussi à nourrir mes connaissances.

Lorsque l'on est autodidacte, ce type d'aide, c'est précieux.

Je vous ai dévoilé les coulisses de ma peinture, j'espère que cette aquarelle vous fera rêver un peu.

Artificial intelligence with Art Majeur Gallery by Your Art is very hepful for a self-taught painter as me. dreamlike, fusions, softness, poetry, impressionism are several of the key words that have qualified this work. And of course my style. It's my way. My artistic path i am taking.

Est-ce qu'il faut dessiner lorsque l'on peint à l'aquarelle ?

L'aquarelle est un médium qui repose beaucoup sur la notion de transparences. Les traits d'un dessin préalable risquent donc de se voir une fois la peinture terminée.

Si la vue de ces coulisses vous heurte l'emploie de la gomme mie de pain est une solution pour amoindrir les traits initiaux faits à la mine HB.

En général mieux vaut éviter de beaucoup appuyer son trait pour ne pas trop abîmer son papier, et mieux vaut éviter  beaucoup de gommage avec une gomme dure ....

Le dessin peut très bien ne pas être nécessaire, parfois il très peu détaillé  ou au contraire il est très précis....tout dépend de la capacité de chacun à évoluer dans sa peinture avec ou sans support visuel...tout dépend de la nature du sujet et des choix de techniques pour le traiter.

En fait le danger du dessin c'est l'effet coloriage-remplissage lorsque l'on va peindre. L'aquarelle est par nature un medium de la spontanéité et du hasard plus ou moins maîtrisé. Il est  donc indispensable  de trouver un juste équilibre entre le dessin et la liberté. 

Du cadre  va naître de la liberté, la liberté peut-elle vraiment exister sans cadre ? C'est un peu le sujet qui se pose lorsque l'on aborde le dessin.....

Drawing is often necessary but not essential.The drawing should not fall into coloring to preserve spontaneity and chance.

On commence prudemment avec un pinceau et on en adopte un autre et puis un autre .....on se retrouve avec un troupeau de pinceaux....

J'ai mes préférés, mes oubliés, ceux qui commencent à être bien usés, ceux que je commence à ne plus regarder....ceux que je garde précieusement tellement j'ai peur de ne pas en retrouver....

Je les choisis en fonction de l'humeur, du sujet, d'une envie de changement....

Certains sont en poils naturels d'autres synthétiques, je n'ai pas encore arrêté de philosophie s'agissant des critères auxquels devrait répondre mon pinceau idéal. Cela ne me ressemblerait pas.

We have a brush then two then three then many brushes, too many. No desire for an ideal brush. I work on impulse or on the subject